Peinture
Cet article concerne l'art de la peinture. Pour les autres significations, voir Peinture (homonymie).
Apelle ou l'art de la peinture (détail), œuvre du sculpteur italien Nino Pisano provenant du Campanile de Giotto (original exposé au musée de l'Œuvre).
La peinture est une forme d'art consistant à dessiner sur une surface en y appliquant esthétiquement des fluides colorés. Les artistes peintres représentent une expression très personnelle sur des supports tels que le papier, la roche, la toile, le bois, l'écorce, le verre, le béton et bien d'autres subjectiles.
Ouvrage de représentation ou d'invention, la peinture peut être naturaliste et figurative, ou abstraite. Elle peut avoir un contenu narratif, descriptif, symbolique, spirituel, ou philosophique.
Sommaire
1 Histoire
2 Techniques picturales
2.1 Intensité (ou valeur)
2.2 Couleurs
2.3 Rythme
3 Technique de réalisation
4 Esthétique et théorie en peinture
5 Mouvements et styles
6 Principaux thèmes
7 La copie ou reproduction de tableau
8 Notes et références
9 Voir aussi
9.1 Articles connexes
9.2 Liens externes
Histoire |
Les premieres peintures connues à ce jour sont les peintures rupestres. On trouve des peintures rupestres partout dans le monde: en Afrique, en Eurasie, en Australie, comme sur le continent américain - y compris en Océanie. Les plus anciennes du monde, celles de Maros (Célèbes, Indonésie) ont été datées de 40 000 ans[1]. Les plus anciennes d'Europe datent d'environ quarante à trente mille ans avant notre ère et se trouvent dans la grotte de Sainte-Eulalie (El Castillon, Espagne, datées de 40 800 ans) et dans la grotte Chauvet (France, datées de 32 000 ans).
Dessinées avec de l'ocre rouge et un colorant noir, elles sont parfois gravées et représentent surtout des animaux, notamment des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles et des hommes.
Dans les cultures occidentales, la tempera, la peinture à l'huile et l'aquarelle sont les médiums les plus connus, avec des traditions riches et complexes dans le choix des modèles et des thèmes. Dans les pays orientaux, c'est l'encre noire ou colorée qui a toujours prédominé.
C'est en 1829 qu'est apparue la première photographie puis, à partir de la seconde moitié du XIXe siècle, les procédés photographiques se sont améliorés. Alors que la photographie devenait de plus en plus répandue, la peinture a perdu beaucoup de son rôle historique qui était de présenter un cliché d'une scène observable. C'est dans ce contexte qu'à partir de la fin du XIXe siècle sont apparus de nouveaux mouvements artistiques comme l'impressionnisme, le postimpressionnisme, le fauvisme, l'expressionnisme, le cubisme et le dadaïsme, qui ont profondément changé la perception du monde, héritée de la Renaissance.
L'art moderne et contemporain marquent donc une évolution de la peinture, qui est passée d'un rôle, traditionnellement historique et documentaire, à celui de concept.
Techniques picturales |
Intensité (ou valeur) |
Chaque point dans l'espace a une intensité différente des autres points qui peut être représentée en peignant en noir ou en blanc, en passant par toutes les nuances de gris. Dans la pratique, les peintres peuvent représenter des formes en juxtaposant des surfaces d'intensités différentes.
Couleurs |
La couleur et la tonalité sont l'essence même de la peinture, comme le sont la hauteur et le rythme pour la musique. La couleur est fortement subjective, et a des effets psychologiques et des significations symboliques qui peuvent différer d'une culture à l'autre : le noir est associé au deuil dans les pays occidentaux, alors qu'en Asie, c'est le blanc. Quelques peintres, théoriciens, auteurs et scientifiques, comme Goethe, Kandinsky ou Newton, ont écrit leur propre théorie de la couleur. Dans le langage, le mot désignant une couleur englobe bien souvent des couleurs et des tonalités différentes. Ainsi, le mot «rouge» peut couvrir un large éventail de couleurs. Il n'y a pas un registre formel des différentes couleurs, comme c'est le cas pour les notes de musique, même si le système Pantone est couramment employé dans l'imprimerie ou l'industrie graphique.
Pour un peintre, la couleur n'est pas simplement divisée en couleurs primaires et complémentaires (comme le rouge, le bleu, le vert, le brun, etc). En effet, il utilise des pigments lui permettant d'obtenir de grandes variétés de couleurs. Par exemple, le «bleu» pour un peintre, peut être le cyan, l'indigo, le bleu de cobalt, le bleu marine, etc.
Rythme |
Le rythme est aussi important dans la peinture que dans la musique. Le rythme est une pause dans un ensemble qui permet à la force créatrice d'intervenir et d'ajouter de nouveaux éléments, une forme, une mélodie, une coloration.
Technique de réalisation |
Esthétique et théorie en peinture |
L'Annonciation de Léonard de Vinci aux Offices de Florence (1473-1475)
L'esthétique a tenté d'être la « science de la beauté », et elle était une question importante pour des philosophes des XVIIIe et XIXe siècles comme Kant ou Hegel. Les philosophes classiques comme Platon et Aristote ont également théorisés sur l'art et la peinture en particulier. Platon avait tendance à négliger les peintres, et également les sculpteurs, dans son approche philosophique. Il considérait que la peinture ne pouvait pas représenter la Vérité, mais seulement une copie de la réalité et qu'il s'agissait d'un simple métier, comme la cordonnerie ou la ferronnerie. Au contraire, Léonard de Vinci estimait que « la peinture est une chose intellectuelle » (la pittura è cosa mentale). Kant distinguait la beauté et la sublimation, en privilégiant clairement cette dernière. Même si cette approche ne visait pas la peinture en particulier, elle a été reprise par des peintres comme Turner ou Caspar David Friedrich.
Hegel a, quant à lui, reconnu l'impossibilité d'atteindre le concept de la beauté universelle et, dans son essai Leçons sur l'esthétique, il a écrit que la peinture est l'un des trois arts romantiques, avec la poésie et la musique, en raison de son rôle symbolique et sa dimension intellectuelle.
Parmi les peintres qui ont écrit des travaux théoriques sur la peinture, il faut citer tout d'abord Léonard de Vinci (trattato della pittura), Eugène Delacroix et, au XXe siècle, Salvador Dalí, Paul Klee, Kandinsky. Ce dernier estimait que la peinture avait une valeur spirituelle, et il rattachait les couleurs primaires aux sentiments ou concepts essentiels.
L'iconographie s'est également attachée à théoriser la peinture. Cette discipline analyse les symboles visuels dans leur dimension culturelle, religieuse, sociale et philosophique pour parvenir à une meilleure compréhension des œuvres d'art.
Mouvements et styles |
Les mouvements en peinture désignent des approches techniques ou visuelles communes à différents artistes. Un artiste peintre peut s'inscrire dans un mouvement, soit parce qu'il s'y est consciemment impliqué (Nabis, Dada), soit parce que des historiens d'art l'ont placé dans cette catégorie (Romantisme, Expressionnisme).
Au travers des siècles, de nombreux mouvements sont apparus :
- Abstraction lyrique
- Art abstrait
- Art Brut
- Art contemporain
- Art déco
- Art informel
- Art naïf
- Baroque
Bodypainting et body-Art
- Cobra
- Colorfield Painting
- Constructivisme
- Cubisme
- Dadaïsme
- Expressionnisme
- Expressionnisme abstrait
- Fauvisme
- Figuration Libre
- Folk art
- Graffiti
- Impressionnisme
- Maniérisme
- Minimalisme
- Modernismo
- Néoclassicisme
- Op Art
- Orientalisme
- Orphisme
- Muralisme
- Photoréalisme
- Pointillisme
- Pop art
- Postimpressionnisme
- Postmodernisme
- Réalisme
- Romantisme
- Réalisme socialiste soviétique
- Shin hanga
- Sosaku hanga
- Stuckisme
- Surréalisme
- Tachisme
- Ukiyo-e
Principaux thèmes |
Genco Gülan, autoportrait, 2011, huile sur toile.
Antoine-Jean Gros, Bonaparte au pont d'Arcole, 1801, huile sur toile.
En peinture, comme dans d'autre formes artistiques, il existe des thèmes récurrents. Le traitement par les peintres de ces thèmes fut longtemps dépendant de la hiérarchie des genres imposée par l'Académie royale de peinture et de sculpture.
- Le portrait et l'autoportrait
- La nature morte et les vanités
- Le nu
- La peinture animalière
- Le paysage
- Les marines
- La peinture d'histoire
- La scène de genre
- La peinture religieuse
- La peinture mythologique ou peinture profane
La copie ou reproduction de tableau |
Au Moyen Âge, les peintres reproduisaient souvent des œuvres d'artistes antérieurs. La répétition, par la copie des mêmes motifs, a donné aux œuvres de cette époque un caractère collectif qui dura jusqu'au XVe siècle. Par la suite, les artistes peintres se mirent à reproduire la nature, la copie ne servant plus qu'à l'enseignement de l'art pictural. Elle fut également utilisée par les apprentis afin de reproduire des œuvres sous l'égide de leur maître qui pouvait ainsi les signer de son propre nom.
Notes et références |
Analyses grâce à la technique dite uranium-thorium, conduites par Maxime Aubert, Place, Evolution and Rock Art Heritage Unit (PERAHU), Griffith University, Australia et publiées en 2014: Rock art discovery paints new human history
Voir aussi |
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Articles connexes |
Camaïeu et grisaille
- Fresque
- Peinture acrylique
- Peinture à l'huile
- Peinture numérique
- Aquarelle
Liens externes |
(fr) La base Joconde - Direction des musées de France
(en) Web Gallery of Art - La peinture européenne de 1100 à 1800 - 12 400 images - biographies
(en) The Russian Art Gallery - La peinture russe de 1300 à aujourd'hui - 460 images
(fr) Musée critique de la Sorbonne (MUCRI)
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